India poolsaar on tootnud arvukalt rahvusvaheliselt tuntud kunstnikke, kellest paljud tõmbavad miljonid oksjonid kogu maailmas. Mõned India edukaimaid ja innovaatilisemaid kunstnikke on naised ning nende mitmekesine praktika uurib paljusid teemasid, identiteedist ja mälust kuni poliitika, ajaloo ja tänapäevase kultuurini. Toome teieni kümme kõige kuulsamat India kaasaegset naiskunstnikku.
Shilpa Gupta
Uurides erinevaid teemasid alates tarbimiskultuurist kuni soovi, turvalisuse, religiooni, natsionalismi ja inimõigusteni, kasutab Shilpa Gupta interdistsiplinaarsetes praktikates interaktiivseid video-, fotograafia-, installatsiooni- ja performance-kunsti, tuginedes sageli publiku osalusele. Tema videoprojektsioonide seeria pealkirjaga Vari (1, 2 ja 3), mis toimib nagu interaktiivne videomäng, hõlmab vaatajate simuleeritud varje, mis on jäädvustatud otsekaamera abil. Varjud projitseeritakse valgele ekraanile ja nad suhtlevad teiste varjudega, mille loovad objektid, nukud, majad, linnud ja muud tegelased, kes tantsivad, hüppavad ja kõnnivad. Gupta on üks India kunstnike noore põlvkonna seas, kelle looming vastab riigi postkoloniaalsetele ühiskondlikele lõhedele. Ta hägustab, joonistab ja kustutab sageli geopoliitilisi piire, näiteks 100-s India käsitsi joonistatud kaardis (2007–2008), mis koosneb vaatajate poolt mälestuseks käsitsi joonistatud kaartidest, või tema pealkirjata teos, millel on kujutatud kollast politseid lindilipu lugemine: "Siin pole piiri."
Bharti Kher
Kleepuv valmis bindi - traditsiooniline india otsmikukaunistus - on Bharti Kheri praktika keskpunkt ja kutsub esile ambivalentseid tähendusi, ostsilleerides traditsiooni ja modernsuse vahel. Kher arendab valesti tõlgendamist, väärarusaamu, konflikte, paljusust ja vastuolusid kujutava kunsti loomist, uurides inimdraamat ja tänapäeva elu. Bindi ilmub nii maalides kui ka skulpturaalsetes installatsioonides, seades väljakutse naiste rollile traditsioonilises riigis ja viidates selle "kolmanda silma" traditsioonilisele vaimsele tähendusele. Tema rekordiliselt ilmunud filmis „Nahk räägib keelt, mis pole oma” (2006) on kujutatud surnud või surevat klaaskiust elevanti, mis on kaetud läikivate bindidega. Tema looming haarab veelgi allegoorilisi jutte, fantastilisi olendeid, maagilisi loomakesi ja müstilisi koletisi, nagu on nähtud teistes loomadel põhinevates palades, näiteks väärtegudes. Määratava põhjuse puudumine (2007) on kunstniku kujutlusvõimel põhinev sinise vaala südame elusuurune koopia, mis rõhutab romantilist „suure südame“ ideed ja saladusi, mis seovad südame armastuse mõistetega, elu ja surm.
Bharti Kher - määratava põhjuse puudumine © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Kuna paber on tema peamine meedium ja minimaalne assotsiatsioonirikas sõnavara, loob Zarina Hashmi abstraktseid teoseid, mis vastavad tema paguluse ja äraostmise elukogemustele ning kodu kontseptsioonile - olgu see siis isiklik, geograafiline, rahvuslik, vaimne või perekondlik. Tema mõtisklev poeetiline looming hõlmab puitlõikeid, oforte, jooniseid ja paberimassist tehtud valasid. Tema käsitöö ja kalligraafia jooned moodustavad tema kompositsioonides ühendava elemendi. Keel on kunstniku jaoks pöördeline. Kirjad kodust (2004) tutvustavad Pakistanis elava õe Rani kirjadel põhinevaid trükiseeriaid. Tate videointervjuus räägib Zarina, kuidas nende kirjade vastuvõtmine aitas tal säilitada identiteeditunnet. Käsitsi kirjutatud urdu on kaetud kaugete kodude ja paikade kaartide ning joonistega, millel on varjud olulistele hetkedele ja muljetele perekonna elus olulistest kohtadest.
Nalini Malani
Ületatud piiri kontseptsioon on Nalini Malani tava keskmes, mis lähtub kirjandusest, mütoloogiast, ajaloost ja isiklikust elust, et luua kultuuride vahel olulist kunsti. Alates joonistustest kuni maalide, projitseeritud animatsioonide, varimängu, video ja filmini asetab kunstnik kõrvuti traditsiooni modernistlike elementidega, et käsitleda tänapäeva ühiskonnaga seotud pakilisi probleeme. Tema perekonda mõjutas 1947. aasta partitsioon - teema, mis on malani jaoks kallis, nagu näete videost, mis on inspireeritud Sadat Hasan Manto samanimelisest novellist „Toba Tek Singhi mäletamine“ (1998). Malanilased kasutavad Bishen Singhi surma sümboolikat - vaimuhaige, kes, keeldudes partitsiooni ajal Indiasse kolimast, sureb kahe piiri vahel mitte kellegi maal. Seejärel uurib Malani partitsiooni mõjusid inimeste elule ja laiendab seda uurimist Rajasthanis Pokhranis korraldatud tuumakatsetuste mõjule. Malani huvi Cassandra vastu on tema veendumus, et kõigil meist on teadmisi ja instinkte. Tema 2014. aasta näitus pealkirjaga Cassandra kingitus Vadehra kunstigaleriis keskendus võimalusele, et inimkond näeb ette tulevikusündmusi ja tõesti “kuulab” nende ümber toimuvat.
Rina Banerjee
Rina Banerjee poeetiliste multimeediateoste aluseks on armastus substantsi, kanga ja tekstuuri vastu koos kogemusega elada segastes kultuurilistes / rassilistes paikades asuvates kogukondades. Ta määratleb oma loomingu kui uurimist „konkreetsetest kolooniahetkedest, mis leiutavad koha ja identiteedi uuesti kui keerulisi, läbi põimunud ja vahel sürreaalseid diasporilisi kogemusi”. Banerjee loob värvilisi tekstiili-, moe-, koloniaalobjektide, sisustuselementide, taksidermia ja orgaaniliste materjalide komplekte, mis on hangitud New Yorgi rämpspoodidest ja ümber kujundatud uue tähendusega esemeteks. Ebatavaliste materjalide hulka kuuluvad taksidermiseeritud alligaatorid, puust võrevoodid, kalakondid, jaanalinnumunad, suled ja antiikmööbel. Kui tema teoste hübriidsus peegeldab tema kosmopoliitilist tausta, on tema loodud visuaalne keel juurdunud mütoloogiasse ja muinasjuttudesse. Võtke mind, võtke mind… Armastuse palee juurde (2003) on installatsioon, mida näidati 2011. aastal Pariisis Musée Guimetis. Kujundades diskursust oma päritolu ja lääne-orientalistliku vaatega idast, koosnes see roosast plastist paviljonist, mis on tehtud Tadž Mahal tekitas India vaate vaate roositoonis klaaside abil, mis on iseloomulik Suurbritannia koloniaalide esinemisele Indias - koos „eksootiliste” materjalide keskse kogumiga.
Dayanita Singh
Luues fotograafilise meediumi kaudu uudishimulikke igapäevaelu narratiive, annab Dayanita Singh visuaalse väljenduse maastikule, mis kõrvutab kunstniku kujutluspilti reaalmaailmaga. Tema mustvalged fotod on esitatud installatsioonis pealkirjaga Muuseum, aga ka tema lemmikmeediumil: raamatul. Paberil on Singhi jaoks eriline tähendus. Kunstnik portreteerib kõiki, alates kõrgemast klassist kuni ühiskonna äärealadeni, andes lainurgapildi tänapäeva Indiast. Mona Ahmed on oma töös korduv tegelane; alates nende esimesest kohtumisest 1989. aastal Londoni Timesi tellimusel - Vana Delhi kalmistul elav eunuhh, tema pere ja eunuhhide kogukonna poolt tagasi lükatud topeltkarjane. Singhi Mona kujutamine on uurimine nendest, kellel on killustatud identiteet ja puudub kuuluvustunne, mis on raamatu Myself Mona Ahmed teema. Singhi armastuskoda hävitab piiri fotograafiaraamatu ja ilukirjanduse vahel, luule ja proosaga kaasnevad pildid, mis jutustavad üheksa novelli. Teisaldatavad muuseumid, näiteks failimuuseum (2013) või õnnemuuseum (2014), on suured puitkonstruktsioonid, mida saab paigutada erinevas konfiguratsioonis ja millel on 70–140 fotot. See fotoarhitektuur, nagu Singh seda nimetab, võimaldab tal pilte lõputult kuvada, redigeerida ja arhiveerida.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat ühendab ühte teosesse sageli rohkem kui ühe meediumi. Kallati looming haarab looduse lõputud tsüklid ja inimese seisundi hapruse, peegeldades pidevaid nihkeid sünni, surma ja uuestisünni vahel; ehitamine ja kokkuvarisemine, lüüasaamine ja ülestõusmine. Ta töötab sageli ametlikult registreeritud või registreeritud nimedega - kadunud või jäljetult kadunud inimeste, esemete või mälestusmärkidega. Tema praktikas on korduvaks motiiviks kummitempel, kontrolli sümbol ja bürokraatlik aparaat - „näotu olek”, mis varjab ja kinnitab identiteete. Kallat on kummitemplit kasutanud alates 2003. aastast, investeerides oma teostesse irooniaga. Falling Fables-is kasutas ta templeid India arheoloogilise uuringu alusel kaitstud kadunud monumentide aadressidega, luues arhitektuuriliste varemete vorme, juhtides tähelepanu Indias ja kogu maailmas tänapäeval aset leidvale varisemisseisundile ja kollektiivse mälu purunemisele. 2013. aastal lõi ta Mumbai Bhau Daji Lad muuseumi fassaadil oleva ämblikuvõrgu Untitled (Cobweb / Crossings). Tema looming koosnes ühest tonnist kummitemplitest, millel olid muuseumi ümbritsevate tänavate endised nimed ja mis rõhutasid kadunud ajalugu. Kallat on varem veebimotiivi kasutanud, et tegeleda rändeprobleemide ja nende üle, kes seda kontrollivad. Raamatus „Untitled (kaart / joonis)” on elektrijuhtmete ja -tarvikutega tehtud keerukas maailmakaart jäljendatud tööliste sageli varjatud rändeteid.
[K] Reena Saini Kallat - Untitled (2008) - Detail © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
Fotograafia ja skulpturaalse installatsiooni kaudu haarab Hema Upadhyay isikliku identiteedi, kuuluvuse, nihestuse, nostalgia ja soo mõistetega Mumbai tänapäevast seisundit - metropoli, mille multikultuurilisus tuleneb rändeliikumistest. Korduvalt autobiograafiline teos sisaldab pilte endast, justkui otsiks ta oma kohta linnas, kuhu ta oli sunnitud partitsiooni ajal perega rändama. Oma esimesel isikunäitusel „Sweet Sweat Memories“ (2001) esitas ta töid, mis rääkisid võõrandumise ja kaotuse tunnetest. Seerias olid miniatuursed fotod, mis olid kleebitud maalidele, millel oli kujutatud Mumbai kui ülekaaluka uue linna õhkkondlikke ja alajahtlikke vaatenurki.
Sheela Gowda
Skulptuuri, installatsioonikunsti ja India linna- ja maapiirkondi tutvustava fotograafiaga Sheela Gowda loob töid, kasutades igapäevaseid materjale, sealhulgas leitud ja ringlussevõetud objekte ja materjale, näiteks lehmasõnnik, punane kumkum (kurkum), viiruk, inimese juuksed, kuldlehed, tseremoniaalsed värvained ja kodumaised materjalid, näiteks kookoskiud, nõelad, niidid ja nöör. Gowda praktika toetub suuresti selle protsessile, mis hägustab kunsti ja käsitöö piire, ning seab kahtluse alla naiste subjektiivsuse rolli religioonis, natsionalismis ja vägivallas, mis moodustab tänapäevase India. Ja "Tell Him of My Pain" (2001) töötas üle 100 meetri punase kummusega värvitud keermestatud niidist, riputati ja lohistati üle kogu ruumi, moodustades kolmemõõtmelise joonise. Teos viitas India vürtsikultuurile ja tekstiilitööstusele - mis on traditsiooniliselt osa naise elatud kogemusest -, et tuua esile patriarhaalses ühiskonnas naiste koduse elu valud.
